3 Agosto 2009
Incluyo algunos dibujos bidimensionales de las principales obras de Andrea Palladio.
En ellas pude verse el claro uso de la geometría, que no disimula ni enmascara de ninguna manera. Característica esta propia del Renacimiento.
VILLA SAREGO, en Verona
VILLA EMO en Treviso
VILLA PISANI en Montagna
23 Julio 2009
En primera instancia podría decir que Palladio fue un arquitecto que me enamoró en mis primeros años de estudiante de arquitectura. Lo conocí entre las páginas de algunos libros de Historia de la Arquitectura y ya nunca lo perdí de vista.
A medida que avancé en la carrera fui valorando varios aspectos de su obra. Las plantas me seducían (y aun lo hacen) de una manera muy particular. Y los alzados, con una simetría casi obsesivas, siguen captando mi atención cuando me encuentro con alguna imagen de sus obras.
El dibujo es otra de mis debilidades; la expresión gráfica a través de la línea me ha encantado siempre y ni qué hablar cuando puedo analizar algún antiguo grabado de los estudios de Andrea Palladio, asentados en soportes ocres por el tiempo... Un verdadero placer estético!
Pero volviendo a Andrea Palladio es interesante saber quién fue pero quizás mucho más interesante, enterarse qué fue lo que hizo que desde el siglo XVI hasta el XXI siga atrapando a quienes amamos la arquitectura, y las grandes artes en general.
Cuenta la historia que en 1537 un poeta, filósofo y matemático enamorado de la arquitectura, reconocido en su época, Giangiorgio Trissino, estaba haciendo construir una villa personal en Vicenza, Italia, cuando uno de los obreros, Andrea Di Pietro oriundo de Padua, un "tajapiera" (cantero - ladrillero) llamó su atención por su habilidad y sus ansias de aprender, a pesar de ya no ser joven, ya que pisaba los 30 y ya había abandonado la edad del aprendiz medio propia de la época. Trissino lo renombró "Palladio", en honor a Palas Atenea, diosa de la sabiduría, y se convirtió en su protector y mecenas. Trissino dedicó gran parte de su vida en la promoción de hombres excepcionales con aptitudes y sin importar su condición social, como fue en este caso.
Andrea acompañará a su protector en numerosos viajes donde estudia edificios clásicos y contemporáneos que ya contaban con reconocimiento y fama como Bramante, y analiza la obra de Miguel Ángel y Rafael. Esta experiencia le permite redescubrir las bondades de la geometría y el diseño griego y romano. Este fue el principio de su formación como arquitecto, aspecto que lo diferenciará de los profesionales contemporáneos dado que en sí logra compatibilizar dos experiencias diferentes: la de cantero y la de arquitecto; la práctica y la teoría. Hemos de recordar que la tradición de la época hacía que los arquitectos tuvieran una formación que partía de la experiencia pictórica. En esto se diferencia notablemente Andrea Di Pietro, Palladio.
Esta circunstancia, sumada a su particular interés y curiosidad por la construcción y por los edificios clásicos, fueron las que hicieron que se destacara particularmente de sus colegas contemporáneos.
De esta experiencia con Trissino es que Palladio adoptará presagios de ciertas soluciones que luego aplicará en sus obras, tales como la disposición jerárquica de las habitaciones organizadas alrededor de una sala central abovedada o la de un típico frente de un templo en la fachada de una residencia.
Pero la diferencia radical entre él y los arquitectos renacentistas fue la utilización de series normalizadas de tipos generales, de formas para los locales y los órdenes (distancia entre las columnas, dimensiones de las columnas mismas, según el orden del que se tratase) entre otras. Sus proyectos seguirían un sistema basado en una gramática de formas y proporciones, una especie de léxico de motivos.
Palladio puede ahora inventar este método porque ya sus antecesores se habían enfrentado a los desafíos de resolver nuevos edificios, encargos insólitos que ninguna regla ni norma existente podían resolver satisfactoriamente. Gran parte de los encargos que recibiera Palladio estaban destinados a edificios públicos, pero mayormente a residencias campestres. Ningún arquitecto de la época tuvo tantos encargos para palacios y villas la adopción de formas y dimensiones normalizadas fue deseable y conveniente.
Posteriormente, y a la muerte de su protector Trissino, un nuevo director cultural, el Cardenal Barbaro, lo impulsará a volcar sus estudios y análisis por escrito y con numerosos dibujos en un libro. Es así que incluye en su obra numerosos alzados, plantas, perfiles desarrollando un sistema de representación claro y que hace sencillas sus explicaciones. Incluye también una copia de la obra de Vitruvio, arquitecto clásico romano, para complementar sus análisis. Este libro se llamó Re De Aedificatoria.
El aporte de esta obra no solo fue la recopilación y clarificación de los datos, sino la posibilidad y las sugerencias de adaptación de los procesos clásicos a la construcción y la arquitectura de su época. El conocimiento de la arquitectura desde la base, permitió que dominara todas las etapas de la construcción, incluyendo los diferentes oficios que intervienen (canteros, carpinteros, albañiles, estucadores, etc.)
Palladio consideraba que el proceso de diseño y el de las técnicas constructivas van asociados, y que hasta la capacidad del propio operario tiene su ingerencia en el resultado final. Éstos no pueden equivocarse en sus procesos, por lo que produce un gran número de planos, dibujos, detalles donde se explicitan las formas de engarce de cada una de las piezas. Así los obreros no tienen lugar para el error porque todo se les entrega medido, y con las especificaciones previas. El éxito de Palladio se basó en este método que permite un control previo de todas sus obras, que repercute en un ajuste en la economía de la construcción y la minimización de los tiempos de ejecución. Todo este proceso lleva a una mejora funcional, estética y económica y estas circunstancias hicieron que la demanda fuese cada vez mayor.
Puede decirse que lo que generó Palladio fue "...una arquitectura verdaderamente racional, basada no solo en la aplicación de la razón y de los principios derivados de la naturaleza, sino también estructurada según el modelo de la lingüística del humanismo." (Howard Burns)
Silark
20 Julio 2009
Desde el 22 de Mayo hasta el 6 de Septiembre se presentará en la Caixa Forum de Barcelona una exposición dedicada a la obra de Andrea Palladio, aquel particular arquitecto véneto que se desempeñó en épocas del renacimiento.
Esta muestra, que tiene características de itinerante, estuvo presente en Argentina en el año 1998, pudiéndose apreciar en tres de las principales ciudades:
Posteriormente seguiría su recorrido por Chile, donde también se pudo visitar en el Museo de Bellas Artes entre el 18 de enero y el 28 de marzo de 1999.
En esa oportunidad tuve la posibilidad de colaborar con la presentación de dicha exposición en carácter de guía a los visitantes, cuando se montó en la ciudad de Rosario.
He de decir que fue una muy buena experiencia que permitió tanto a quienes colaboramos como a los visitantes que tuvieron la oportunidad de asistir, dado que la calidad de las maquetas presentadas fueron de un invalorable aporte al conocimiento no solo de la obra de este paradigmático arquitecto renacentista, sino también a la comprensión de una nueva manera de pensar la construcción a partir de ese período.
Por otra lado, el poder tener acceso a la observación de cada una de estas piezas, maquetas de una muy buena ejecución, con un exquisito trabajo manual en cada uno de los detalles representó una experiencia poco frecuente en ese momento en nuestra ciudad.
La exposición que se presentó en Rosario contó con 13 maquetas realizadas en madera a escala 1.33 de diferentes obras de Andrea Palladio. Varias de ellas permitían visualizar el interior de los edificios representados, e incluso hasta resoluciones arquitectónicas. Cada una tiene un peso aproximado a los 350 kg.
El material de composición, madera dura de abedul de Finlandia, nogal de Tanganica para los techos, hacer de Calabria, para los chapas, se mantuvo en su color natural, sin incorporación de color ni tratamientos externos más que alguna pátina protectora que no modificó las características propias de la madera utilizada.
Esta decisión estética no minimizó en absoluto la fuerza expresiva de cada una de ellas. Por el contrario permitió centrar la atención en lo que realmente importa ver: el tratamiento de los elementos constructivos, las proporciones, la especialidad, las resoluciones constructivas. La estatuaria incorporada, así como los balustres y capiteles, son de porcelana.
Estas importantes piezas de exposición estuvieron a cargo de la Asociación Palladiana entre los años 1969 y 1975.
Algo muy importante de destacar de la producción de Andrea Palladio es el aporte técnico que hizo a la forma de construir, dado que generó lo que se conoce como el PIE PALLADIANO, una medida estandarizada equivalente a 357 mm actuales, con la que se pudo permitir metodizar la ejecución de sus villas. Esta estandarización de la medida hacía que los canteros que trabajaron bajo sus órdenes, pudieran igualar la producción de elementos constructivos en cualquiera de los edificios en los que se estuviera trabajando, minimizando los tiempos de producción y el arrastre de errores de encaje de las piezas.
Este aspecto que hoy nos parece hasta una obviedad en el ámbito de la construcción, fue un gran paso que dio origen a muchas de los métodos que aun hoy se utilizan.
Hay que pensar que actualmente se trabaja con un metro patrón que es universalmente válido, y que gran parte de los elementos constructivos que hoy incorporamos en nuestros edificios están realizados con medidas satandard, pero que en época de Palladio y anteriormente, cada región, cada constructor, cada arquitecto, se manejaba con sistemas personales, y claro! diferentes unos de otros.
El poder metodizar la generación de capiteles, fustes de columnas, dovelas de arcos, basamentos de columnas, dinteles, anchos de aberturas, radios de arcos, bloques de mampuestos, permitió una importante reducción de tiempos de ejecución de las obras, a más de facilitar la comunicación entre operarios y directores de obra.
Gran parte de estos procesos estuvieron explícitamente desarrollados en un número de grandes paneles, con textos y gráficos, que formaron parte de la exposición.
Como actualmente sigo residiendo en Rosario y no estaré en Barcelona en el mismo momento que esté presente esta exposición en la Caixa Forum, que por lo que puedo ver por los anuncios, será de mucho mayor dimensión que la que pudimos disfrutar aquí no podré comparar y afirmar que se presentaron los mismos elementos que estuvieron en la Exposición de 1998, aunque posiblemente serán parte integrante de la presente exposición.
Pero lo qué sí puedo es recomendar a quienes tengan la posibilidad de llegarse y disfrutarla, lo hagan porque no es algo muy frecuente de ver en cuanto al criterio con que ha sido pensada. Con que puedan observar algunas de las maquetas de las villas de Andrea Palladio, ya será un gran paso para comprender a una mentalidad de avanzada de una época tan remota como se nos presenta hoy el Renacimiento.
Disfrútenla y compartan sus experiencias.
Silark
4 Julio 2009
Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en refugios rocosos, covachas y el interior de cuevas. Desde estos remotos tiempos se ha usado un lenguaje universal, un lenguaje gráfico, que permitió a los más antiguos hombres comunicar sus ideas y pensamientos entre sí.
Estos dibujos constituyen las formas más primitivas de escritura, convirtiéndose luego en símbolos usados en la escritura que evolucionó hasta el aspecto actual.
Desde el comienzo los artistas utilizaron dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o abstractas. En los tiempos antiguos, cuando la mayoría de la humanidad era iletrada y aún no existía la imprenta, la gente aprendía escuchando los relatos de unos pocos más formados o enterados, mirando esculturas, cuadros o dibujos en los lugares públicos. Todos podían entender un cuadro, y éstos eran las fuentes principales de información. Los libros, productos generados posteriormente, se escribían a mano en papiro o en pergamino y se los ilustraba.
Ilustraciones . Hanna Hammerl
El hombre desarrolló la representación gráfica en dos direcciones distintas, según su propósito: la artística y la técnica.
En el dibujo artístico, el dibujante no era simplemente un artista en sentido estético, era un maestro o un filósofo, que dominaba un medio de expresión y de comunicación.
En el dibujo técnico, el hombre se valió de dibujos para representar su diseño de los objetos por fabricar o construir. Tuvo que desarrollar medios y sistema, convenciones que le permitiera reproducir lo que proyectaba, usando escalas, modos de representar las diferentes partes componentes de sus creaciones.
El dibujo técnico más antiguo que se conoce, y que todavía existe, es la vista en planta del diseño de una fortaleza que hizo el ingeniero caldeo Cudea, y que aparece grabado en una loseta de piedra, miles de años antes de la creación del papel. Es una representación muy similar a la bidimensional utilizada hoy en arquitectura.
En el año 30 a.C., el arquitecto romano Vitruvius escribió un tratado sobre arquitectura en el que dice,
"El arquitecto debe ser diestro con el lápiz y tener conocimiento del dibujo, de manera que pueda preparar con facilidad y rapidez los dibujos que se requieran para mostrar la apariencia de la obra que se proponga construir".
Es la primera prueba escrita de la aplicación del dibujo técnico. Luego continúa argumentando el uso elementos de precisión como la regla y los compases para las construcciones geométricas, para el trazado de la planta y la elevación de un edificio y para dibujar perspectivas.
No fue hasta el S XV que las teorías de las proyecciones de los objetos sobre planos imaginarios convencionales se desarrollaron.
Un ejemplo de la vigencia y claridad de comunicación por la gráfica lo conforman los dibujos de Leonardo da Vinci. Los usaba para transmitir sus ideas y diseños para construcciones mecánicas. Aun existen muchos de ellos.
El dibujo técnico es apropiado para la representación de relevamientos topográficos, geológicos, creaciones de ingeniería y arquitectura, componentes de maquinarias, por tratarse de un dibujo normalizado. La función principal es poder transmitir las formas y dimensiones exactas de lo que se quiere representar o construir.
El dibujo técnico puede clasificarse según diferentes tipos:
Dibujo Natural: es el que se realiza de copiar un objeto existente, un modelo.
Jorge Capdevila .Cúpula corrientes y Córdoba - Rosario
Dibujo Continuo: se denomina así a los ornamentales, que conforma una línea de ornato en molduras, cornisas, gráfica editorial o diseño textil, entre otros.
Owen Jones 8
Dibujo Industrial: tiene como finalidad la representación de elementos componentes de maquinarias y construcciones, con gran precisión y recurriendo a la geometría descriptiva como herramienta gráfica auxiliar.
Dibujo industrial / iglesia San Pablo
Dibujo digital: es el que se realiza con el apoyo de programas informáticos que logran una precisión mayor que el dibujo convencional a mano y con elementos de dibujo. Permiten el rápido cambio de escala, modificación y superposición de modificaciones. Las impresiones obtenidas por este método son de una particular expresión y exactitud.
(www.viviplanet.com.ar/?enciclopedia=Proyecto_arquitect%C3%B3nico)
Este último tipo de dibujo, muy difundido un la última década, permite una más práctica y precisa representación y archivo de los planos, a diferencia de las representaciones tradicionales en papel. Pero no se pierde aun la práctica del dibujo rápido, mucho más cálido y espontáneo que permite plasmar las ideas iniciales rápidamente. Además poseen una expresión personal e identificatoria de su autor, que los hace sumamente agradables a la visión, transmitiendo aspectos y características deseadas en el espacio u objeto representado.
Croquis de Álvaro Carnicero (http://www.flickr.com/photos/alvarocarnicero/2047872973/)
Silvia Bueno
3 Julio 2009
Cuando hablamos de arquitectura hospitalaria, es necesario hacer notar que se trata de una especialización dentro del campo de acción de la arquitectura, como profesión dedicada a la generación de espacios y su resolución técnica, estética y funcionalmente apropiadas.
El término "hospital" deriva del latín hospes, que significa huésped o visita; de allí devino en hospitalia, casa para extranjeros, o visitas foráneas, para transformarse posteriormente en hospital, y se refiere al espacio destinado a la atención de los enfermos y ancianos. Comparte la raíz con hotel, hospedaje, hospicio, hospitalidad, y hospedar.
Conceptualmente, en la actualidad, se entiende por hospital al establecimiento público o privado, legalmente autorizado, destinado a la atención de personas enfermas o lesionadas, por personas capacitadas, y que además cuenta con las instalaciones e infraestructura necesarias para el diagnóstico, tratamiento e intervenciones quirúrgicas.
La producción de edificios hospitalarios ha sufrido transformaciones a lo largo del tiempo. Estas transformaciones se produjeron en tres grandes momentos.
a) Momento inicial, de gestación de espacio destinado al albergue de enfermos y desvalidos.
Según Edward Golub en "Los Límites de la Medicina", el registro más antiguo que se conoce es el de los planos del equivalente a un hospital en Pérgamo que se remontan al siglo V a.C. Se trataba del santuario del dios sanador Esculapio, posterior cuna de Galeno. Estudiándolos se pudo deducir cómo eran tratados los enfermos en ese sitio: había gran sala principal abierta en uno de sus lados, orientado al sol, desde el cual los pacientes podían ver, entre los pilares, el templo. Allí los sacerdotes interpretaban y transformaban los sueños de los pacientes en tratamientos terapéuticos, porque consideraban que provenían de los dioses.
Los próximos registros ya pertenecen al medioevo. Este es el origen que se reconoce en la historia, estando a cargo de los monjes la tarea de acoger a los desvalidos. Si bien puede considerarse que la caridad cristiana es la que da origen a los hospitales, importante progreso de la época, es en manos de los monjes y en los monasterios donde se desarrolla esta actividad especializada, aunque en principio no fuera destinada a la población en su totalidad, sino solo como institución dedicada a acoger desamparados.
Es entonces que podemos ubicar a los primeros edificios hospitalarios, y a su correspondiente tipología edilicia, vigente hasta no hace mucho tiempo, como la claustral, o derivada del claustro monacal. Este tipo de edificios surge de los monasterios que adaptaron sus pabellones a la función hospitalaria durante las guerras medievales europeas. Y en es Milán, en 1456, a cargo de Filarette, que surge el primer edificio dedicado exclusivamente a la salud. Este edificio, y los posteriores que respondieron a ésta tipología de claustro, estaba organizado en sucesión de salas cuadradas, delimitadas por galería y dispuestas en cruz conformando patios centrales desde donde también se accedía al templo. Las galerías servían como circulación de médicos, personal de servicio y pacientes.
La vigencia de esta tipología puede ser verificada en hospitales construidos hasta comienzos del S XX incluso en nuestro país como es el caso del Hospital Gutiérrez de la ciudad de La Plata, o en Rosario el Hospital de la Caridad, actualmente Hospital Provincial, en su trazado primigenio. Esta distribución de las salas tiene como contrapartida el hecho de no permitir una correcta ventilación cruzada, y que, en determinadas caras de los pabellones, no recibe un buen asoleamiento. No obstante así, es una distribución que permaneció vigente durante casi 500 años.
b) Un segundo Momento, de especialización, surge con el desarrollo en el siglo XIX de la bacteorología, a partir de los descubrimientos de Pasteur. Esto, paulatinamente, llevará a la optimización en el funcionamiento de los espacios hospitalarios. El diseño de los nuevos hospitales y la mejora de los existentes pasa, en este período, por la posibilidad de separar los pabellones según diferentes patologías; desarrollo que surge de la necesidad de controlar las grandes epidemias que se producían en estos establecimientos.
Surge así en Londres en 1730 el Hospital San Bartolomé, primer referente de esta tipología conocida como "pabellonal" o de pabellones. Esta tipología seguía vigente aun en la enseñanza de la arquitectura de los años 30, por su eficacia. Encontramos en nuestro país ejemplos de este tipo de organización edilicia en el Hospital Interzonal General de Agudos "Gral. San Martín" que alberga 763 camas y el Hospital Interzonal Especializado Agudos y Crónicos "Dr. Alejandro A. Korn" con 2219 camas.
Las teorías higienistas sustentaron esta concepción, porque consideraban que el aire era el medio más propicio para la transmisión de enfermedades. Por esta razón, la circulación entre los pabellones destinados a las diferentes patologías, se realizaba por espacios abiertos y hasta parquizados. De todos modos las epidemias siguieron propagándose dentro de estos establecimientos y, paralelamente, las investigaciones científicas progresaban respecto al control de las mismas.
Algunos aspectos poco positivos de esta organización espacial pueden encontrarse en el alto costo de mantenimiento que requiere la dispersión de los pabellones, como también el sistema circulatorio externo, desarrollado en grandes distancias, que complican la comunicación entre pabellones tanto de pacientes como de personal sanitario. A fines del siglo XVIII y en el transcurso del XIX, a partir de estos inconvenientes, comienzan a construirse hospitales con circulaciones abiertas, aunque más próximas. Igualmente, el problema de las condiciones climáticas seguía siendo un problema a superar. Modelos de este tipo podemos encontrarlo en numerosos hospitales en Argentina, como es el histórico Hospital Italiano de Buenos Aires (1890)
Otro avance y modificación en esta topología básica es la de pabellones con circulación semicubierta. Un ejemplo local es el Hospital del Centenario, en su primigenia organización.
Finalizando el siglo XIX, se desarrolla un sistema con circulaciones subterráneas, siempre tratando de minimizar los inconvenientes iniciales de esta distribución de pabellones múltiples. Esta organización permite la ubicación en subsuelos de los sistemas de calefacción, distribución de agua, circulación de personal de servicio, médicos, pacientes, ingreso de alimentos y medicamentos con una circulación independiente de cada pabellón y evitando los inconvenientes provocados por el clima. Puede considerarse esta organización como un antecedente del entrepiso técnico, posteriormente desarrollado también en otro tipo de edificios.
Ya transitando el siglo XX, y con la imposición de la edificación en altura conformado grandes bloques (que surge en EEUU con la Escuela de Chicago y la construcción en altura de grandes edificios) se impone el tipo de edificio en monoblock.
Se incorpora en este tipo de edificación la estructura de hierro, que permite un mayor desarrollo en altura, como también los ascensores para la circulación vertical. La distribución de conductos para los sistemas de acondicionamiento, comunicación y apoyatura técnica específica. Esta nueva tipología marca un notable cambio tanto formal como funcional en estos establecimientos dado que permite una mayor organización de las circulaciones internas de pacientes, servicio, apoyatura hotelera, suministro de alimentos, montacargas, etc. Mejora también la circulación de enfermos, que puede realizarse por sectores al resguardo del clima, reduciendo el tiempo de traslado de los mismos dentro del establecimiento. Se considera que esta tipología como un gran avance dentro de la organización espacial porque permite reducir las distancias, optimizar los servicios, reducir el costo del mantenimiento, en relación a la perdurable tipología en pabellones independientes.
Posteriormente, y siguiendo esta línea de desarrollo, surgirá la tipología polibloque, que se conforma de varios bloque de varios pisos, relacionados o no por circulaciones horizontales. Esta nueva organización permite un desarrollo a gran escala, conformando, incluso, lo que se ha dado en denominar "ciudades hospital". Suele haber un bloque principal destinado a internación, y el resto a funciones específicas. Dentro de esta organización hay múltiples variantes, de mayor o menor escala.
Llegada la década del 60 del sigo XX, se presenta un notable cambio tendiente a lo que se denominó flexibilidad de plano, apoyado en un programa arquitectónico abierto. Surge como necesidad esta propuesta, dada la rigidez ante los cambios y adaptaciones que presentan las tipologías en bloque, siendo éstos sistemas compactos y resistentes a los cambios. Así aparecen, desde la necesidad de mayor cantidad de espacio y flexibilidad, plantas generadas lo más libres posible, donde no se interpongan columnas ni tabiques, permitiendo el desempeño de funciones múltiples. El tendido de los servicio se resuelve, en estos casos, en entrepisos técnicos. Una estructura de este tipo no se resuelve ya en un sistema lineal, sino en una organización de tipo sistémico.
c) Momento actual
Actualmente se está transitando por un nuevo periodo de cambios en la concepción de los espacios hospitalarios, donde hay una mayor participación de los usuarios. Un mayor nivel de educación y de información por parte de los ciudadanos se esta haciendo notoria, desde la promoción y la prevención de la salud, conllevando a una disminución en la necesidad de internación. Esto trae como consecuencia el mayor número de diagnóstico haciendo notorio el cambio en los modelos de atención ambulatoria, entre otro tipo de avances que paulatinamente harán que disminuya ostensiblemente el tiempo necesario de internación.
La velocidad con que este tipo de modificaciones se producen en la perspectiva de la salud de la población, debe tener un correlato en la flexibilidad espacial que requiere de constantes cambios, tanto en la espacialidad como en los aspectos técnicos y funcionales.
Los nuevos establecimientos para la Salud deberán tener en consideración aspectos tan diversos como son
Esquema de la evolución de tipologías previas de hospitales
(EVOLUCION DE LOS EDIFICIOS HOSPITALARIOS. APROXIMACION A UNA VISION TIPOLOGICA. Jorge Daniel CZAJKOWSKI)
Como es de notar, el tema de la resolución de los espacios hospitalarios nunca fue sencilla, y la arquitectura, en su especialización hospitalaria, ha seguido el proceso de avance de la tecnología y la ciencia en la resolución de este tipo de establecimiento. La construcción de un hospital es un emprendimiento de gran complejidad y está destinado a permanecer activo eficientemente durante largos períodos de tiempo, lo que ha llevado a que, paulatinamente y siguiendo los avances de la medicina, se piense en diversas formas de optimización de su funcionamiento, como así también la consideración del confort del paciente; aspecto considerado hoy día con mayor atención, de manera más integral, más holística.
En la actualidad se tiene en consideración cómo impacta en la subjetividad del paciente el espacio físico que lo rodea cuando no está bien de salud. El paciente internado muchas veces sufre más de lo necesario como consecuencia de las características de los espacios que los profesionales vinculados a la salud generan: arquitectos, ingenieros, técnicos, médicos, enfermeras, personal administrativo, cada uno desde el área que le corresponde. De aquí la necesidad del trabajo interdisciplinario y de la atención a la subjetividad de la persona enferma: os espacios colaboran a la más rápida recuperación de los pacientes en internación.
Silvia Bueno
29 Junio 2009
Dibujo realizado en el transcurso de una charla técnica , en una de las hojas para apuntes. Comienzo a realizarlos cuando me concentro en la exposición oral, y me ayuda particularmente a fijar datos.
La temática de los dibujos y de las conferencias, casi nunca tienen relación. Y menos en este caso, que se trataba de "negocios inmobiliarios" relacionados con la arquitectura.
Simplemente dejo correr el bolígrafo o el portaminas, y casi inesperadamente comienza a configurarse un árbol, una rama con hojas, una antigua aldea inexistente, o simplemente un conjunto de ornatos.
Los comparto acá, en esta categoría de " dibujos casuales".
22 Mayo 2009
El Hiperrealismo Fantástico, es otra de las líneas expresivas de este movimiento.
La principal característica es el componente onírico en la temática. No se aleja de la exquisitez técnica, que se aproxima a la perfección fotográfica, solo que en esta línea la composición, el armado de la obra en cuanto a la elección de los elementos y su relación, es imposible, o al menos improbable. Puede llegar a asociarse con el surrealismo. De allí la denominación de "fantástico".
En la obra " Espejo" del artista plástico Jesús Navarro (http://j-navarro.artelista.com) puede verse la elección de lo onírico, lo imposible para la representación sumamente cuidadosa de los elementos, pero donde la asociación entre ellos se nos presenta como irreal. En otros de sus trabajos, la composición se arma previamente, generando escenarios cuidados, haciendo intervenir elementos de alta complejidad representativa. Puede observarse en la obra que se presenta aquí el dominio de la técnica y la sensibilidad expresiva en la elección del tema.
El juego de escalas de la obra del artita argentino Camilo Lucarini "Carreteles con niños" (http://camilolucarini.artelista.com) es otro ejemplo. El tratamiento de luces y sombras, la inclusión de detalles tipográficos y el código de barras en los carretes de hilo, y los trazos logrados que conforman las hebras de hilo, realizadas con extremo realismo, como así también el personaje, incluido con una expresión corporal perfecta, generan un ambiente realista que se diluye con las escalas invertidas en los elementos principales de la composición.
Otros ejemplos de Realismo, Hiperrealismo e Hiperresalismo Fantástico pueden oabservarse en las correspondientes exposiciones de estos artistas citados.
Estos movimientos, como la gran mayoria, no tienen límites claros para la clasificacion, quedando librado primeramente al artista el definir su obra dentro, o no, de uno de ellos, como a quien desea referirla a otros en un intento de descripción.
Silark
3 Mayo 2009
Este movimiento pictórico, que nace el siglo pasado, en la década del ´60 en EEUU, tiene la particularidad de representar el motivo pictórico con la mayor precisión posible, logrando, en muchos casos, engañar al observador que puede confundirlo con una fotografía. Propone incluso, una fidelidad mucho más exhaustiva que la fotografía, aunque se valen de ella.
Una observación detallada y cercana, permite observar los rastros y recorridos de las pinceladas precisas, medidas, estudiadas hasta en el más mínimo rincón.
Movimiento que cuenta con detractores, como todos, que le critican el no aportar nada nuevo a las propuesta de la pintura como arte y solo limitarse a una copia de fotografías que no tiene ningún interés.
También tiene sus seguidores y admiradores, entre los que modestamente me incluyo, que destacan ante todo el dominio de la técnica, el uso muy cuidado del color, el estudio exhaustivo de luces y sombras, y lo que particularmente me atrae, es la elección de los temas a representar.
Para arrojarse a la tarea de pintar / dibujar, previamente hay que tener algo que decir, hay que haber podido decidirse por el objeto, paisaje o situación que se quiere representar, tarea, por cierto, no muy fácil.
Si bien es cierto que pareciera que nuestro entorno nos ofrece millones de objetos, agrupaciones de los mismos, paisajes, situaciones, personas y personajes, hay que poder hacer el trabajo de selección y síntesis y elegir qué es lo que se va a representar. Y cómo.
En estos ejemplos que seleccioné para compartirlos, lo que destaco es el trabajo previo de la composición del tema. No son situaciones espontáneas, ni existentes por casualidad, sino que han sido especialmente compuestas por el autor.
He de hacer notar que en muchas ocasiones este movimiento se ve emparentado con el surrealismo, que se diferencia básicamente por recrear imágenes imposibles, producto del ensueño o la imaginación pródiga, dando lugar a lo que se reconoce como el Hiperrealismo Fantástico. Es en esta forma de desarrollo donde se relaciona por la perfección en la representación de los elementos componentes de la obra.
Los representantes de este movimiento (aunque pareciera ser que no se lo considera como tal, en realidad) si bien en su origen fueron norteamericanos, posteriormente fueron destacando representantes de diversos orígenes.
Tal el caso del conocido iraní Imán Maleki con sus impresionantes representaciones de las personas y sitios propios de su país. En este ejemplo adjunté un detalle de la obra donde puede apreciarse el trabajo detallado de la textura de la tela del jean de la prenda de la joven.
Otro ejemplo es el de la obra "En azul" de OSE del SOL (http://ose-sol.artelista.com) donde trabaja magistralmente las luces y sombras, y el tratamiento del oro del traje remite inmediatamente al objeto respresentado, casi sin espacio para la suposición. Simplemente, es.
Silark
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